DAVID MAMET – AMERICAN BUFFALO

     L’AUTOR I LA SEVA OBRA:

David Mamet
Ganador de un Premio Pulitzer como dramaturgo y nominado dos veces a un Oscar, el director, ensayista, novelista y poeta David Mamet ha sido también uno de los nombres fundamentales del teatro americano desde 1976, cuando sus primeras representaciones fueron inmediatamente galardonadas con un Obie y un New York Drama Critics Circle Award. El último golpe es el noveno film en el que combina sus facetas de guionista y realizador. Su aclamado debut, La casa de juegos, fue seleccionado ya en 1987 para tener el honor de cerrar el Festival de Cine de Nueva York. A éste le siguieron su amable visión del mundo de la mafia en Las cosas cambian, escrito junto a Shel Silverstein, y film con el que Joe Mantenga y Don Ameche compartieron el premio al Mejor Actor en la edición de 1988 del Festival de Venecia; HomicidioOleanna, en 1994, fue la única adaptación que Mamet ha hecho de una de sus obras teatrales; La trama, su celebrado thriller 'a lo Hitchcock' que se convirtió en una de las producciones independientes más exitosas de 1998. El caso Winslow fue una adaptación de la famosa obra teatral de Terrence Rattigan y lo protagonizaron Nigel Hawthorne, Jeremy Northam y Rebecca Pidgeon; y más recientemente, State and Main, con un reparto de lujo que contó con William H. Macy, Alec Baldwin, Sarah Jessica Parker, Phillip Seymour Hoffman y Rebecca Pidgeon. Mamet a su vez ha cosechado galardones y excelentes críticas merced a su trabajo como guionista, incluyendo entre los más destacados El veredicto para Sydney Lumet, y La cortina de humo para Barry Levinson, ambos nominados por la Academia para el Oscar al Mejor Guión.
Abrió la edición de 1991 del Festival Internacional de Cine de Cannes.
Entre otros guiones suyos se cuentan El cartero siempre llama dos veces, para Bob Rafelson; Los intocables de Elliot Ness, para Brian De Palma; Nunca fuimos ángeles, que acabó siendo la película de Neil Jordan protagonizada por Robert De Niro y Sean Penn; Hoffa: un pulso al poder, dirigida por Danny DeVito y protagonizada por Jack Nicholson; y El desafío, con Anthony Hopkins y Alec Baldwin.
Anteriormente, Mamet ya había llamado la atención de la crítica como escritor en reconocimiento a obras teatrales como Sexual perversity in Chicago y American buffalo (que después se convertiría en la película homónima protagonizada por Dustin Hoffman y Dennis Franz). Cuando ambas obras se estrenaron en Nueva York en 1976, Mamet ganó un Premio Obie al Mejor Dramaturgo y American buffalo fue votada Mejor Obra del Año por el New York Drama Critics Circle. En 1978, recibió a su vez el Outer Critics Circle Award por su contribución al teatro americano.
En 1984, Mamet ganó otro premio a la Mejor Obra por parte del New York Drama Critics Circle así como el Premio Pullitzer por Glengarry Glen Ross. Dicha obra recibió también cuatro Premios Tony y se convirtió en una gran película en 1992. Entre otras de sus obras para los escenarios destacan Edmond y The cryptogram, ambas receptoras de un Premio Obie, así como The water engine, A life in the theatre, Lakeboat (ahora también película), Speed the plow y The old neighborhood.
También para el teatro, Mamet ha adaptado cuatro obras de Chéjov: Vint, El jardín de los cerezos, Tres hermanas y Tío Vanya. Ha escrito también libros y obras de teatro infantiles, siete volúmenes de ensayos y tres novelas, numerosos artículos en revistas y ha colaborado en numerosas canciones para su esposa, la compositora folk y actriz Rebecca Pidgeon.
Mamet también ha actuado en alguna ocasión, como por ejemplo en la adaptación televisiva de su obra teatral The water engine, y dio vida a un jugador profesional en el film de Bob Rafelson El caso de la viuda negra.
Mamet ha sido profesor de arte dramático en la escuela donde él mismo estudió, el Goddard College, así como en la Universidad de Chicago, la Yale School of Drama y la New York University´s Tisch School of The Arts, donde, con William H. Macy, fundó una compañía de repertorio en 1998, la Atlantic Theater Company. Recientemente ha dirigido a Harold Pinter, Rebecca Pidgeon y John Gielgoud en Catastrophe, un montaje de The Beckett Project, proyecto en el que 19 obras de Beckett han sido producidas para la televisión británica.

FONT: http://www.filasiete.com/biografias/david-mamet

               MÉS INFORMACIÓ

• Text sobre els temes, l’estil… de David Mamet:    http://www.ucm.es/info/especulo/numero7/mamet.htm
• Filmografia de David Mamet:     http://es.wikipedia.org/wiki/David_Mamet
• Filmografia de David Mamet i petites ressenyes:    http://es.movies.yahoo.com/artists/m/david-mamet/filmografia-165495.htm

               LA PEL·LÍCULA:

American Buffalo (1996)
Don regenta una tienda de objetos usados. Últimamente tiene la convicción de que un cliente se aprovechó de él al adquirir una de sus monedas por una cantidad irrisoria. Por ello le somete a estrecha vigilancia valiéndose de Bobby, un chico negro a quien ayudó a desengancharse de la droga, y por el que siente un sincero aprecio. Con la ayuda de Teach, un viejo conocido sabelotodo, planeará el robo de la moneda.
El American Buffalo, la moneda que da título al film, es el eficaz motor de una narración que disecciona de modo implacable a una sociedad urbana cruel e insolidaria. La situación dramática es sencilla; el decorado, casi único —la oscura y claustrofóbica tienda—, sólo desahogado por ocasionales salidas a una calle poco transitada. Parece imposible que algo interesante, una situación emocional fuerte, pueda emerger de marco tan elemental. Y sin embargo, sucede. Los sentimientos explotan, el miedo cede paso a la violencia verbal y física. La soledad y la desconfianza se meten en el cuerpo de los personajes, o quizá siempre estuvieron dentro de ellos. A partir del reconocimiento del estado de las cosas puede empezar a vislumbrarse una oportunidad para la supervivencia, un atisbo mínimo de esperanza.
El dramaturgo, guionista y director de cine David Mamet adapta a la pantalla su obra American Buffalo, escrita en 1975, y que apunta temas tratados con más extensión en Glengarry Glen Ross. El joven director Michael Corrente, con experiencia teatral y un film de prestigio, Federal Hill, a sus espaldas, acomete la tarea de plasmarla en imágenes. Con adecuada progresión, Corrente encamina lo que parece anodino a un clímax de alto voltaje. La película es un regalo para los actores, que exprimen al máximo sus respectivos personajes. Dustin Hoffman compone un formidable Teach; los menos conocidos Dennis Franz y Sean Nelson le dan perfecta réplica. J.M.A.
Director: Michael Corrente. Intérpretes: Dustin Hoffman (Teach), Dennis Franz (Don), Sean Nelson (Bobby). País: Estados Unidos. Año: 1996. Producción: Gregor Mosher, para Prairie Oyster Productions, en asociación con Punch Productions. Presentada por: Capitol Films en asociación con Samuel Goldwyn y Channel Four Films. Argumento: La obra teatral de David Mamet. Guión: David Mamet. Música: Thomas Newman. B.S.O.: Varèse Sarabande (incluye también la B.S.O. de la película Tres formas de amar). Fotografía: Richard Crudo. Dirección artística: Daniel Talpers. Montaje: Kate Sandorf. Duración: 87 minutos. Género: Drama social.
FONT: http://www.bloggermania.com/a/american-buffalo.html 

               L’OBRA TEATRAL:

American Buffalo (1975)
Escrita per David Mamet
Personatges Walter "Teacher" Cole, Donny Dubrow, Bobby
Any de l’estrena 1975
Lloc de l’estrena Goodman Theatre, Chicago
Idioma original Anglès
Gènere Drama
Escenari Botiga de segona mà de Don, a Chicago, un divendres

American Buffalo és una obra del 1975 del dramaturg nord-americà David Mamet que es va estrenar en una producció al Goodman Theatre de Chicago. Critic Frank Rich la va denominar «una de les millors obres nord-americanes de la darrera dècada».
FONT: http://en.wikipedia.org/wiki/American_Buffalo_(play) 

              LA REPRESENTACIÓ:

TEATRE LLIURE
AMERICAN BUFFALO
de DAVID MAMET
Direcció: JULIO MANRIQUE
Espai Lliure, del 14 de gener al 14 de febrer
Don, el propietari d'una botiga d'objectes de segona mà, ven per error una moneda per menys del que val. Amb Bob i Teach idearà un pla per recuperar-la. La peça que va llançar Mamet a l'èxit internacional, servida pel guanyador del Premi Butaca 2008 a la Millor Direcció.
Estrena del muntatge a Catalunya.
Intèrprets: Ivan Benet, Don / Pol López, Bob / Marc Rodríguez, Teach
Més informació properament al web del Teatre Lliure.

FONT: http://www.teatrelliure.com/cat/programa/temp0910/13american1.htm

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PAU MIRÓ – ELS JUGADORS

L’AUTOR:

 

Pau Miró (Barcelona, 1974) és llicenciat en Art Dramàtic per l’Escola Superior d’Art Dramàtic Institut del Teatre (1999). Com a dramaturg, ha participant en diversos seminaris a la Sala Beckett, impartits per [..]. Entre el 1998 i el 1996 també ha fet d’actor, sota la direcció de [...] Com ha escriptor ha col·laborat en guions radiofònics i televisius.

Fundador de la companyia Menudos, formada per exalumnes de l’Institut del Teatre. En els últims anys ha estrenat:

2010    Pluja constant. Director. Teatre Villarroel.
2009     Girafes. Autor i director. Teatre Lliure, Festival GREC’09.
             Lleons. Autor i director. TNC, projecte T6.
2008     Búfals. Autor i director. Festival Temporada Alta.
             Enfermo imaginario. Coautor. Teatre Condal.
2007     Singapur. Autor i director. TNC, projecte del T6.
             Los persas: réquiem por un soldado. Dramatúrgia conjunta amb Calixto Bieito.
Ha rebut diversos premis i mencions.
FONT: http://www.teatrelliure.com/documents/temp1112/els_jugadors_cat.pdf

L’OBRA:

 

 Quatre homes que s’apropen als 60 anys.
Un barber, un enterramorts, un actor i un professor de matemàtiques.
En els fons són jugadors: ruletes, cartes, deutes, excessos, fracassos...
Unes vides de merda enfocades a aquelles mil·lèsimes de segon
en què cada carta que decideix una partida fa el tomb.
Cada personatge té la seva història,
gairebé podríem dir que cada personatge té un “conte” per explicar.
Entre els quatre, però, expliquen una història en comú:
Quatre homes que se senten desplaçats.
El món ha canviat i no l’entenen.
Han canviat els valors, les regles, i no troben el seu lloc.
Els diners han desaparegut i no tornen.
També les prerrogatives.
Els al·licients.
Descol·locats,
caminen arrossegant els peus,
semblen fantasmes
o cadàvers,
o somnàmbuls,
o sembla que estiguin en estat de coma...
o, si m’ho permeteu, sembla que tinguin un blanc..
(aquell moment en què l’actor/actriu és damunt l’escenari i s’oblida del text)
És com si aquests personatges haguessin oblidat el text
i estiguessin esperant que tornés.
Han perdut el pols amb el món,
i només tenen una manera de recuperar-lo,
potser massa arriscada,
segurament massa perillosa.
I esbojarrada.
I també desesperada.
Al cap i a la fi,
però,
l’única manera.
El més probable és que no surti bé,
però qui sap?
Vermelles o negres, qui sap?

De tota manera, si hi ha alguna oportunitat de “guanyar una partida”,
és gràcies als quatre actors que expliquen aquesta història,
aquest conte ple de contes.
Els jugadors.

Pau MIró

FONT: http://www.teatrelliure.com/documents/temp1112/els_jugadors_cat.pdf

 LA REPRESENTACIÓ:

 

 En un pis antic, al voltant d’una taula, sota d’una làmpada, quatre homes, un barber, un enterramorts, un actor i un professor de matemàtiques juguen una partida de cartes. Aquest pis és un refugi on tots els fracassos són acceptats, permesos. El fracàs és la regla, no pas l’excepció. Els diners han desaparegut, també qualsevol possibilitat d’èxit personal. A punt de tocar fons, els quatre personatges decideixen a arriscar-se. En aquest moment el joc es torna perillós.

Pau Miró

ELS JUGADORS

autoria i direcció PAU MIRÓ

TEATRE LLIURE DE GRÀCIA · del 19 d'abril al 20 de maig i del 6 de juny a l'1 de juliol

intèrprets Andreu Benito el professor/ Jordi Boixaderas l’actor / Jordi Bosch l’enterramorts / Boris Ruiz el barber

coproducció Teatre Lliure i EL CANAL - Centre d'Arts Escèniques Salt/Girona

durada 1h. 20’ sense pausa

FONT: http://www.teatrelliure.com/documents/temp1112/els_jugadors_cat.pdf

 LA CRÍTICA HA DIT:

 

“L’obra és una de les millors comèdies que han corregut la cartellera. Esclar que compta amb un dels millors repartiments que puguem imaginar en el nostre teatre. Els jugadors és un goig de sensibilitat i una funció destinada a conrear el favor del públic. Que vostès en gaudeixin.”
Santi Fondevila (Time Out)

“Aquesta nit, quan he sortit del Lliure de Gràcia després de veure Els jugadors, he tingut la poc freqüent sensació d’haver assistit a l’estrena del que serà un clàssic. (···). Perquè aquesta obra de Pau Miró és, realment, excepcional. La direcció és mil·limetrada i els quatre actors (···) broden els seus personatges.”
 Andreu Gomila (Time Out)

 “Tres raons per veure Els jugadors, de Pau Miró, al Lliure de Gràcia: text, direcció i actors. (···) [Miró] creua quatre biografies mediocres amb la fantasia d’un musical de Las Vegas –amb el cançoner de Dean Martin– i l’adrenalina d’última oportunitat d’un projecte de vida que es podria titular Rufufú. (···) Un drama amb la superfície de paper d’estrassa i el fons de paper de vidre que treu el millor d’un afinat quartet protagonista.”
 Juan Carlos Olivares (Ara)

“Al Teatre de Salt va aplaudir amb entusiasme l’estrena d’Els jugadors, una comèdia escrita a contracorrent dels temps incerts que es viuen avui dia. (···) Poques vegades una obra de les dimensions discretes d Els jugadors –quatre intèrprets, 90 minuts– ha tingut el privilegi d’un repartiment tan brillant. Atesa la caiguda de les vendes, Benito, Boixaderas, Bosch i Ruiz són capaços de convertir la millor guía immobiliària en una gran tragèdia. Imagino com serà el seu triomf al Lliure quan s’instal·lin allà a l’abril.”
 Joan-Anton Benach (La Vanguardia)

“Un joc magnífic. Pau Miró teixeix un paral·lelisme estilitzat entre els jocs de taula i el gran joc, el de la vida. No hi més informació que la necessària, ni una voluntat de sobrietat excessiva; les cartes de cada jugador, per seguir amb el símil, es van revelant quan toca, ni abans ni després; els diàlegs queden compensats i la mesura zona natural. (···) El que s’apunta com a drama es torna comèdia i, al so d’una cançó, es converteix en musical. (···) I és que l’ombra del Rat Pack, dels Ocean’s Eleven i dels Reservoir Dogs plana de tant en tant sobre els actors i el públic.”
Begoña Barrena (El País)

FONT: http://www.teatrelliure.com/cat/programa/temp1112/30elsjugadors7.htm

 

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WAJDI MOUAWAD – INCENDIS

L’AUTOR (RESUM):

Wajdi Mouawad (Beirut, Líbano, 16 de octubre de 1968) es un escritor, actor y director de teatro de nacionalidad canadiense, nacido en el seno de una familia cristiano- maronita. Sus padres huyeron de Líbano a París, Francia, en 1977 a causa de los conflictos civiles que asolaron el país hasta los años noventa del siglo XX. Cinco años más tarde, en 1983, se establecieron en Quebec.

Es diplomado en 1991 por la Escuela Nacional de Teatro de Canadá. De 2000 a 2004, dirige el Teatro de Quat'Sous de Montreal y en 2005, funda las compañías de creación "Au carré de l'hypoténuse", en Francia, y "Abé carré cé carré" en Montreal con Emmanuel Schwartz.

Alcanzó renombre internacional tras el éxito de su cuatrilogía Le sang des promesses (Forêts, Littoral, Incendies, Ciels), escrita y dirigida por él.
En 2009, fue el artista asociado del Festival de Avignon y recibió el Gran premio del teatro de la Academia francesa por el conjunto de su obra dramática. Desde septiembre de 2007 es el director artístico del Teatro Francés del National Arts Centre (NAC) (en inglés) o Centre National des Arts (CNA) (en francés) de Ottawa.
FONT: http://es.wikipedia.org/wiki/Wajdi_Mouawad

MÉS INFORMACIÓ:

 

•  Canadian Theatre Encyclopedia: http://www.canadiantheatre.com/dict.pl?term=Mouawad%2C%20Wajdi
• Wajdi Mouawad a Café Babel: http://www.cafebabel.es/article/31049/wajdi-mouawad-teatro-trilogia-festival-avinon-ciel.html
• "Wajdi Mouawad refuse un Molière": http://www.radio-canada.ca/culture/modele-document.asp?section=theatredanse&idEntite=3224

L’OBRA. LA CRÍTICA HA DIT:

 

                                                                                                  Reportaje: TEATRO
                                                                          Wajdi Mouawad reinventa la tragedia 

JAVIER VALLEJO. Sábado, 4 de julio de 2009

De origen libanés, forzado en su niñez al exilio en Canadá, se ha convertido en uno de los dramaturgos más impactantes de la escena internacional. El Festival de Aviñón programa en secuencia su trilogía Littoral, Incendies y Fôrets, con más de once horas de representación

Wajdi Mouawad. Retengan este nombre. Es el artista asociado y el protagonista absoluto del Festival de Aviñón 2009. ¿Qué decir de él? Los calificativos no le cuadran, porque su trabajo es sustantivo. Cualquier elogio le quedaría como un lamparón, o un colgajo. Es un poeta del escenario. Sólo eso. Escribe con la respiración rítmica del corredor de fondo. Vivió en su Beirut natal hasta los ocho años. Allí, desde lo alto de un edificio, vio cómo un autobús repleto de refugiados palestinos era acribillado por las milicias cristianas, al comienzo de la guerra civil libanesa. Sus padres se lo llevaron a París. Seis años después tuvieron que abandonar Francia. En Montreal, él y su familia corrieron mejor suerte. "En el exilio, tuve que buscarme algo con lo que recrear el espacio de felicidad de mi infancia, algo que volviera a ponerme en relación con la naturaleza", dice. Y ese algo fue el teatro. Empezó a dirigir, a actuar y a escribir, ¡con qué resultados! En el mastodóntico patio central del palacio de los Papas de Aviñón, Mouawad presenta la semana próxima la columna vertebral de su trabajo: Littoral, Incendies y Fôrets, trilogía de once horas de duración, representada de sol a sol por actores canadienses y franceses.

Es un poeta del escenario. Sólo eso. Escribe con la respiración rítmica del corredor de fondo

No hay que valorar este acontecimiento al peso. Espectáculos de largometraje hay muchos. Los de Mouawad nos remiten a las tetralogías griegas: son tragedia pura. Vean si no, Incendies, donde la chispa que prende el fuego es, como en Antígona, un muerto reciente que no encuentra descanso. Nawal, en su testamento, deja un mandato a sus hijos gemelos: han de buscar a su padre, al que creían muerto, y a un hermano cuya existencia ignoraban, y entregarles un sobre cerrado a cada uno. Los chicos no están por la labor, pero el deseo de desvelar su origen acaba embarcándoles de regreso a Líbano, su país natal, que no se nombra pero se intuye. Incendies cruza tres historias entroncadas: la de Nawal, desde que se quedó embarazada, con 15 años, hasta su muerte; la historia de ese primer hijo, de quien la separaron nada más nacer y a quien buscó durante toda su vida, para reencontrarlo en circunstancias límite, y la historia de la nueva búsqueda, emprendida por sus gemelos. Pero con ser emocionante lo que Mouawad cuenta, lo que nos conmueve definitivamente es cómo lo cuenta: sin un tiempo muerto, sin un oscuro, solapando escenas de un modo que yo no había visto jamás. Los protagonistas de una escena comparten espacio con los de la siguiente, que entran en acción lenta, amortiguadamente, antes de que les llegue el turno, en una escenografía sencillísima, versión contemporánea de la vela tendida de lado a lado que usara Lope de Rueda, con una luz tridimensional y unos actores capaces de atravesarte el hígado diciendo un monólogo de espaldas. ¡Qué monólogos! El de Andrée Lachapelle (Nawal), clavada durante nueve minutos, sin mover un músculo, los brazos pegados al cuerpo, horadando con su relato una sima más honda cada vez, eleva la humedad relativa del aire un treinta por ciento y encamina al auditorio entero hacia una catarsis cierta. La espectadora de mi derecha no contiene las lágrimas, la de mi izquierda hace pucheros, como la que está a su lado, y la de detrás, y yo me uno a ellas sin más resistencia.

Pierre Menard reescribió el Quijote al pie de la letra, pero cambió sustancialmente el sentido de la novela cervantina, nos cuenta Borges en Pierre Menard, autor del Quijote. En Incendies, Wajdi Mouawad revive Edipo rey con otra letra y otra peripecia. Su tragedia conserva íntegro el aliento de la de Sófocles, aunque su héroe trágico ya no sea un príncipe tebano, ni un viajante orillado por la Gran Depresión, y ni siquiera sea varón: Nawal es la mujer de cualquier país en guerra, humillada, violada e inseminada por el enemigo. Hace falta generosidad para dibujar un final como el de Incendies, que coincide con la anagnórisis: al leer en las dos cartas de Nawal (dichas por ella en voz alta) que es hijo suyo y padre de sus hermanos, Nihad, su violador, se queda mudo, inmóvil, seco, en un lateral de la escena. Al fondo, el notario Hermile Lebel comienza a tender una lona traslúcida para resguardarse de un orbayu repentino y persistente, y los demás personajes se van poniendo a su lado, uno a uno. Por un instante eterno, quedan congelados ese grupo compacto y el moralmente monstruoso Nihad, que, fuera de la lona, gira la cabeza hacia ellos, se les acerca, y se pone también a cubierto. En esa imagen fija y muda del grupo bajo la lluvia cristalizan las palabras póstumas de Nawal, pronunciadas por el notario al inicio del espectáculo: "Ahora que estamos juntos, todo va mejor". Créanme. La ovación que Incendies se llevó en su penúltima función en Madrid es la mayor y más cerrada que haya escuchado en un teatro español en los últimos años. Todo el público salió conmovido, es decir, movido por emoción idéntica.

Me detengo en Incendies porque se representó aquí antes que en París y que en Aviñón gracias al ojo de Pilar Yzaguirre, ex directora del Festival de Otoño, que se lo propuso al Teatro Español. En otoño de 2010, este espectáculo y Littoral o Forêts estarán un mes en Madrid y otro en gira por España. Antes de Incendies, Mouawad montó Trainspotting, Disco Pigs, Viaje al borde de la noche, Manuscrito encontrado en Zaragoza, El Quijote, y, claro, Edipo rey y Las troyanas, tragedias que le mostraron un camino nuevo. "En 1992, pedí una beca para ir a Líbano. Salí de allí con 8 años, y regresé a los 25", dice en Le Sang des promesses, libro de notas de dirección que se publica la semana próxima (Actes Sud/Leméac). "Pretendía volver a un país que había acabado por ser un fantasma en mi memoria, con la esperanza de que lo que en la infancia viví como una suma de horrores no fuera más que un mal sueño. Pero mi ilusión se esfumó. Ver los lugares olvidados fue un recuerdo espantoso, que me transportó a un pasado real. No fue tanto un viaje iniciático como una odisea, porque la odisea es un retorno hacia sí mismo". De ese viaje, y de uno por La Mancha, nació en 1997 Littoral, otra historia sobre la muerte, la herencia y el regreso a los orígenes. Wilfrid, su protagonista, recibe una llamada mientras hace el amor, en el momento del éxtasis: su padre ha muerto. Como su familia le impide enterrarlo junto a mamá porque lo culpan de que la dejase morir en el parto de Wilfrid, éste, de común acuerdo con el cadáver, decide sepultarlo en su país de origen. Pero allí los cementerios están a reventar por la guerra, y se ven obligados a emprender un peregrinaje infinito.

Mouawad escribe a pie de escenario, con sus actores arriba: les pregunta qué les gustaría hacer, y lo incorpora. Ensaya diez meses, en los que el texto se va cociendo a fuego lento. Maneja al dedillo recursos narrativos novedosos: en una sola escena simultanea épocas y lugares, y desdobla un personaje en edades diferentes. Wilfrid, por ejemplo, está a la vez en una oficina, en el tanatorio y en una tienda, hablando con un empleado en cada sitio. Y su madre, muerta, conversa simultáneamente con su marido cuando era joven, cuando estaba en la edad madura y ahora que es un cadáver. Lo que otro haría en tres escenas, Mouawad lo resuelve en una. Ante su manejo del tiempo, el flash back es un recurso obsoleto. Su teatro supera al cine en flexibilidad narrativa.

Forêts, cierre en falso de la trilogía, es un viaje alucinante por el árbol genealógico de Loup, joven desarraigada, y de Aimée, su madre, que ha desarrollado un tumor maligno en torno al embrión de un hermano gemelo, hipertrofiado e inserto en su propio cuerpo. Un paleontólogo y un psiquiatra les guían raíces adentro, hasta llegar a la última capa freática. La obra más compleja de Mouawad se desarrolla sincrónicamente a fecha de hoy, durante las dos guerras mundiales y durante la guerra francoprusiana de 1870. "Hacía mucho que soñaba con un espectáculo que explorase la cuestión del odio entre pueblos hermanos instalado por razones oscuras, que se remontan varias generaciones. Del odio ancestral. Enseguida pensé en Palestina, pero me pareció difícil hacer teatro de un acontecimiento actual sin traicionarlo. Leyendo Platón y Europa, de Jan Patocka, reparé en el odio entre alemanes y franceses. Y buscando un personaje histórico cuya vida atravesara las tres últimas guerras francoalemanas, di con Pétain: Forêts comienza cuando Pétain estaba en edad de jugar con Rimbaud a las canicas".

Ciels, broche de lo que ya es una tetralogía, y estreno absoluto en Aviñón, "viene a contradecir, en fondo y forma, cuanto defienden los tres espectáculos anteriores: la importancia de la memoria, la sed de infinito, la búsqueda de un sentido a la vida. Eso son cosas que pueden perder el mundo", dice.

Littoral, Incendies y Forêts. 8, 10, 11 y 12 de julio. Aviñón. Palacio de los Papas. Ciels. Del 18 al 29 de julio. Aviñón. Châteaublanc. Parc des Expositions. www.festival-avignon.com

FONT: http://elpais.com/diario/2009/07/04/babelia/1246662375_850215.html

MÉS INFORMACIÓ:

• Vídeos sobre diferents muntatges d’Incendis:

http://www.youtube.com/watch?v=RLVdVAgbpwE
http://www.youtube.com/watch?v=GGeDCb5Tdqo
http://www.youtube.com/watch?v=EyqBZpprv04
http://www.youtube.com/watch?v=93tqOvQUdoY

LA REPRESENTACIÓ:

AUTOR: Wajdi Mouawad

                                                         DIRECCIÓ: Oriol Broggi

Incendis és una obra contemporània amb aquell regust de clàssic que té una història terrible, èpica i tràgica. Gairebé una epopeia: la vida de tota una família, d’un grup de gent, d’un poble, d’una civilització cultural. Incendis és una obra absolutament contemporània, escrita fa pocs anys i és alhora una gran història tràgica que sembla que vingui del fons dels temps, per emocionar als qui la fan i als qui la veuen.

Durada: 3 hores i 15 minuts (entreacte inclòs)

FONT: http://www.teatreromea.com/c/temporada.aspx?IdEx=714

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IRÈNE NÉMIROVSKY - EL BALL

 L’AUTORA:

Irène Némirovsky

Kiev, 11 de febrero de 1903 - campo de concentración de Auschwitz, 17 de agosto de 1942

Novelista de origen ucraniano, que vivió en Francia y escribió en francés. Fue deportada bajo leyes raciales por su origen judío, aunque se había convertido al catolicismo en 1939.

Biografía
Irène Némirovsky era hija de un banquero judío ucraniano, Léon Némirovsky. Fue educada por una institutriz francesa de modo que el francés fue prácticamente su lengua materna; su madre no mostró mucho interés por Irène. También hablaba ruso, polaco, inglés, vasco, finés y yiddish. En diciembre de 1918, la familia de Irène escapó de la revolución rusa y permaneció un año en Finlandia. En julio de 1919, llegaron a Francia. Irène, de 16 años, pudo retomar sus estudios y obtuvo en 1926 la licenciatura en Letras en la Sorbona. A los 18 años comenzó a escribir.

En 1926, Irène Némirovsky se casó con Michel Epstein, un ingeniero transformado en banquero; tuvieron dos hijas: Denise, en 1929 y Élisabeth, en 1937. La familia Epstein se instaló en París.

En 1929 envió su primer novela, David Golder, a la editorial Grasset. Temiendo el rechazo, no incluyó en el sobre ni su nombre ni su dirección. El editor tuvo que publicar un anuncio en la prensa para poder conocer al autor de aquella obra audaz cruel y brillante. Su editor, Bernard Grasset la proyectó entonces en los salones y medios literarios. Esta novela fue apreciada por escritores tan diferentes como Joseph Kessel, que era judío, o Robert Brasillach, que era antisemita. De su novela se hicieron en 1930 adaptaciones para el teatro y el cine.

En 1930, El baile narra el difícil paso de una adolescente a la edad adulta. La adaptación al cine sería la revelación de Danielle Darrieux. Irène Némirovsky se transformó en una consejera literaria, amiga de Joseph Kessel y Jean Cocteau.

Siendo una escritora en lengua francesa reconocida e integrada en la sociedad francesa, el gobierno francés, sin embargo, rechazó su petición de nacionalización en 1938, en una actitud de antisemitismo. Finalmente, el 2 de febrero de 1939, ella y toda su familia se convirtieron al catolicismo.

Víctimas de las leyes antisemitas promulgadas en octubre de 1940 por el gobierno de Vichy, Michel no pudo trabajar más en la banca y a Irène le impidieron publicar. Se refugiaron entonces en Issy-l'Évêque, donde habían mandado a sus hijas en 1939 junto a la familia de su niñera. Irène se dedicaría a escribir aunque no podía publicar. Ella y su marido llevaron la estrella amarilla.

El 13 de julio de 1942, Irene fue arrestada por la gendarmería francesa e internada en el campo de Pithiviers; muy pronto sería deportada a Auschwitz, donde murió de tifus el 17 de agosto de 1942. El mismo día del arresto, su marido emprendió innumerables gestiones para lograr su liberación y finalmente en octubre de 1942 fue arrestado, deportado a Auschwitz y al poco tiempo de llegar, asesinado en la cámara de gas el 6 de noviembre de 1942.

Después del arresto de sus padres, Denise y Élisabeth Epstein vivieron escondidas durante la guerra, ayudadas por amigos de la familia y llevando siempre la valija con los manuscritos inéditos confiados por su madre, entre ellos la Suite Francesa. Eran dos tomos de una novela inacabada que tiene por escenario el éxodo de 1940, la ocupación alemana en Francia y la pérdida del mundo normal; es un relato claro e inteligente de la desaparición de la Francia que existió o, que quizás nunca existió realmente. En ella se describe la sociedad de la Francia de Vichy dibujando escenas de convivencia entre sus miembros y el invasor. Además de los dos tomos escritos tenía recogidas numerosas notas de los tomos sucesivos y de posibles cambios en los ya realizados. No la pudo finalizar porque fue detenida y deportada a Auschwitz donde moriría poco tiempo después. Fue publicada en el 2004. Recibió el Premio Renaudot a título póstumo.

Las dos hijas han conservado la memoria de su madre con varias reediciones. En 1992, su hija Élisabeth Gille, que dirigió en la editorial Denoel la colección "Présence du Futur", publicó la biografía soñada de su madre, El Mirador.

Ediciones en español

• (2006). El baile. Publicaciones y Ediciones Salamandra.
• (2006). David Golder. RBA LIBROS.
• (1988). Fogatas. El Aleph Editores.
• (1987). Las moscas del otoño o La mujer de otrora. El Aleph Editores.
• (1997). Los perros y los lobos. Noguer Ediciones.
• (2007). Suite francesa. RBA LIBROS.
• (1991). La vida de Chejov. Noguer Ediciones.
• (2007). El ardor de la sangre. Salamandra Ediciones.
• (2009). El maestro de almas. Ediciones Salamandra.
• (2009). Un niño prodigio. Alfaguara.

FONT: http://es.wikipedia.org/wiki/Ir%C3%A8ne_N%C3%A9mirovsky

[…] Deportada a Auschwitz, donde sería asesinada igual que su marido, Michel Epstein, dejó a sus dos hijas una maleta que éstas conservaron durante decenios. En ella se encontraba el manuscrito de Suite francesa, cuya publicación en 2004 desencadenó un fenómeno editorial y cultural sin precedentes: la novela se tradujo a treinta idiomas, obtuvo numerosos premios —entre ellos el Premio Renaudot, otorgado por primera vez a un autor fallecido— y fue uno de los libros más leídos en casi todos los países donde se publicó, con más de tres millones de ejemplares vendidos en todo el mundo. En España fue galardonada con el Premio del Gremio de Libreros de Madrid y también cosechó un sorprendente éxito comercial.

FONT: http://www.salamandra.info/autores.php?autor=182

 L’OBRA:

Título: El baile
Autora: Irène Némirovsky
Título original: Le bal
Traducción: Gema Moral Bartolomé
Autora de la recién descubierta Suite francesa, publicada póstumamente y aclamada por la crítica y el público de media Europa, Irène Némirovsky mostró desde muy joven un talento excepcional. Con veintisiete años de edad, Némirovsky saltó a la fama con esta breve joya literaria sobre la venganza de una adolescente, editada en Francia en 1930 y traducida al castellano en 1986.
Instalados en un lujoso piso de París, los Kampf poseen todo lo que el dinero puede comprar, excepto lo más difícil: el reconocimiento de la alta sociedad francesa. Así pues, con el propósito de obtener el codiciado premio, preparan un gran baile para doscientos invitados, un magno acontecimiento social que para el señor y la señora Kampf supondrá, respectivamente, una excelente inversión y la soñada apoteosis mundana.Pero en casa de los Kampf no todos comparten el mismo entusiasmo. Herida en su orgullo por la prohibición materna de asistir al ágape, Antoinette, de catorce años, observa con amargura los agitados preparativos del baile y siente que ha llegado la ocasión de enfrentarse a su madre, afirmarse a sí misma y realizar su propia entrada en la edad adulta. Con un breve gesto, tan impulsivo como espontáneo, provoca una situación absurda que culminará en un final dramático y revelador.
Dotada de una afilada percepción psicológica, Némirovsky condensa en pocas páginas una historia donde la difícil relación madre-hija y el ansia de reconocimiento social se funden con la pasión por la vida y la búsqueda de la felicidad. Una obra indispensable de uno de los grandes escritores del siglo XX.

FONT: http://www.salamandra.info/titulos.php?titol=391

LA REPRESENTACIÓ:

El TNC presenta una proposta original que combina teatre i dansa. Sergi Belbel reuneix, a El ball, el talent de les actrius Anna Lizaran i Francesca Piñón i de les ballarines Sol Picó i Xaro Campo per dur a escena, combinant moviment i paraula, el text de la prestigiosa Irène Némirovsky, novel·lista descoberta recentment i autora d’obres de pes com Suite francesa, que va assolir el Premi Renaudot de manera pòstuma.
Passats de la pobresa a l’opulència per un cop de sort amb la borsa, el senyor i la senyora Kampf decideixen organitzar un ball a la seva nova gran casa de París i convidar-hi tothom per mostrar la seva esplendor. Madame Kampf és una nova rica, superficial i materialista, que gaudeix denigrant i ridiculitzant les altres dones. Quan Madame Kampf anuncia el ball, la seva filla Antoinette, que acaba de fer catorze anys, somnia assistir-hi. Però Madame Kampf, sempre cruel amb ella, no té cap intenció de permetre-li d’anar a la festa. El ressentiment d’Antoinette cap a la seva mare serà tan gran que acabarà planejant una venjança personal. Sense cap mena de dubte, la vetllada, el ball, serà absolutament inoblidable per a Madame Kampf.
«El ball, breu però incommensurable novel·la d’Irène Némirovsky, és la petita història d’una venjança, la d’Antoinette, una adolescent oprimida, asfixiada, vers la seva mare, la senyora Kampf, una dona exuberant, que acaba de passar de la pobresa a l’opulència pràcticament de la nit al dia. Aquesta revenja impulsiva, gairebé sense premeditació, serà terrible i farà caure les màscares del nucli familiar i social dels senyors Kampf. En el text de Némirovsky, la tensió que s’estableix entre la petita Antoinette i la seva mare adquireix gairebé la categoria de duel, de combat entre dos personatges que aparentment semblen antagònics però que acaben revelant-se com les dues cares d’una mateixa moneda.
Va ser la mateixa Anna Lizaran qui em va fer llegir aquesta extraordinària novel·la i em va fer veure que era fàcilment dramatitzable per ser vista dalt d’un escenari. La idea que la filla, Antoinette, a qui la seva mare no deixa assistir al “ball”, no fos una actriu sinó una ballarina, va sorgir posteriorment, quan la mateixa Sol Picó em va fer saber les seves ganes d’anar més enllà i de participar en algun espectacle teatral. El duel literari de Némirovsky es podria transformar, així, en un combat escènic entre una gran actriu i una gran ballarina i coreògrafa. La novel·la explora magistralment els moviments interiors i els turments que provoca l’adolescència en la ment retorçada i complexa d’Antoinette i aquests sacsejos emocionals podien ser interpretats perfectament a través de la dansa i del moviment.» Sergi Belbel

FONT: http://www.tnc.cat/ca/el-ball-premsa#documents

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HAROLD PINTER - CELEBRACIÓ

HAROLD PINTER

LA SEVA CARRERA LITERÀRIA:

 

Harold Pinter (Hackney, Londres, 1930 - Londres, 2008) fou un dramaturg, poeta, guionista i actor anglès guardonat amb el Premi Nobel de Literatura l'any 2005.
Pinter és autor de vint-i-nou obres teatrals, quinze esquetxos dramàtics, més de vint guions per a televisió i cinema, una novel·la, proses de ficció i assagístiques. També és co-autor de dues obres de teatre i de ràdio. Juntament al Premi Tony de teatre rebut el 1967 per The Homecoming (Qui a casa torna) i altres premis i nominacions als Estats Units, autor i obra han rebut diversos premis al Regne Unit i arreu. Els guions per a La dona del tinent francès i Betrayal van ser nominades als premis Oscar, en la categoria de guió adaptat, els anys 1981 i 1983.
La seva primera obra teatral, The Room, escrita el 1957, fou una producció dels estudiants a la Universitat de Bristol que va dirigir l'actor Henry Woolf, que, a més, va interpretar el personatge de Mr. Kidd. Pinter va comentar-li que tenia una "idea" per a una peça i Woolf li va demanar d'escriure-la per poder-la dirigir (com un dels requisits per obtenir un postgrau). Sembla que Pinter la va escriure en tres dies. Per celebrar el cinquantè aniversari de la primera representació de l'obra, Henry Woolf tornarà a representar el paper de Mr. Kidd, a la Universitat de Leeds en un simposi sobre l'autor previst per l'abril de 2007.
The Birthday Party, la segona obra de Pinter i una de les més conegudes, va començar sent un desastre, malgrat una crítica entusiasta al Sunday Times del reputat crític Sir Harold Hobson (que, tanmateix, només es va publicar un cop clausurada l'obra i, per tant, sense possibilitat per salvar-la). Se sol considerar que Hobson va descobrir i àdhuc salvar Pinter. Després de l'èxit de The Caretaker el 1960, que va fixar la reputació teatral de Pinter, es va reprendre The Birthday Party tant a la televisió (on el propi Pinter feia de Goldberg) com al teatre (on va ser ben rebuda). Quan la producció de The Homecoming (1964) de Peter Hall va arribar a Nova York (és a dir, el 1967), Harold Pinter ja era un famós autor de teatre i l'obra va recollir quatre premis Tony, entre d'altres guardons.
En una ressenya publicada el 1958, aprofitant com a subtítol el A Lunatic View d'una obra de David Campton, el crític teatral Irving Wardle va anomenar les primeres obres de Pinter "comèdia de l'amenaça", una etiqueta que el públic ha aplicat sovint al seu teatre, de vegades en un intent d'encasellar-lo i reduir-lo. Aquestes obres s'inicien amb una situació d'aparença innocent que acaba esdevenint amenaçadora i absurda a mesura que els personatges es comporten d'una manera que el públic sol veure com inexplicable, i que enllaça amb el teatre de l'absurd. En aquest sentit, Pinter reconeix la influència de Samuel Beckett, en especial, en les primeres obres; van ser amics i sovint es van intercanviar els esborranys que escrivien.
Des de finals dels seixanta i fins a principis dels vuitanta Pinter va escriure Landscape, Silence, "Night", Old Times, No Man's Land, Betrayal, The Proust Screenplay, Family Voices i A Kind of Alaska. Totes elles dramatitzen aspectes de la memòria i, per aquest motiu, solen veure's classificades com "obres de la memòria". Durant els anys setanta, Pinter es va posar a dirigir més freqüentment. Fins i tot va esdevenir director adjunt de la Royal National Theatre el 1973. En total, ha dirigit gairebé cinquanta produccions, pròpies i d'altres autors, tant per al teatre com per al cinema i per a la televisió.
Des dels anys vuitanta, les seves obres tenen tendència a ser més breus i amb clar contingut polític, per criticar l'opressió, la tortura i altres violacions dels drets humans. En una entrevista el 1985, Pinter afirma que si bé les seves primeres obres presentaven "metàfores" sobre el poder i la manca de poder, les darreres presentaven "realitats" del poder i l'abús. De 1993 a 1999, com a reflex de preocupacions polítiques i personals, va escriure Moonlight i Ashes to Ashes, obres de plena durada amb escenaris familiars relacionats amb la mort i (en la darrera obra) a atrocitats com ara l'Holocaust. En aquesta època, després de la mort dels seus pares, barrejant un cop més política i vida personal, Pinter va escriure els poemes "Death" (1997) (que va llegir en el discurs d'acceptació del Premi Nobel) i "The Disappeared" (1998).
A finals del 2001, [...], va dirigir una versió de la seva peça No Man's Land, va escriure i va actuar en un esquetx titulat "Press Conference" i va aparèixer a la televisió dels Estats Units fent un paper en una pel·lícula de la HBO, Wit, escrita per Margaret Edson (guanyadora del Premi Pulitzer). Des d'aleshores, gradualment més compromès políticament com a "citizen Pinter", l'autor ha continuat escrivint i presentant poesia, peces de teatre, assaigs i discursos de continguts clarament polítics.
El 2005, durant una entrevista a la BBC, va anunciar que deixava d'escriure teatre per dedicar-se a l'activisme polític i la poesia. Aquell mateix any fou guardonat amb el Premi Nobel de Literatura per unes obres que descobreixen el precipici sota una xerrameca diària i foren l'entrada en les cambres tancades de l'opressió.
Ha estat traduït al català per Joaquim Mallafrè (Qui a casa torna), Ernest Riera (Traïció), Imma Garín i Víctor Batallé (La festa d'aniversari), Miquel Berga (Engany), Manuel de Pedrolo, Jordi Malé, Josep M. Balañà, Víctor Batallé amb Joaquim Mallafrè (Esquetxos i altres peces), Jordi Martín (Veus vàries) i Marta Pera (Els nans).
FONT: http://ca.wikipedia.org/wiki/Harold_Pinter

LA CONCESSIÓ DEL PREMI NOBEL:

El dramaturgo británico Harold Pinter,
premio Nobel de Literatura

Considerado uno de los autores teatrales más importantes del siglo XX, el escritor, de 75 años, se ha mostrado muy crítico con la política belicista de Blair

AGENCIAS / ELPAIS.es - Estocolmo / Madrid - 13/10/2005
La Academia Sueca de la Lengua ha decidido por segundo año consecutivo conceder el Premio Nobel de Literatura a un europeo. [...] este año ha sido para el británico Harold Pinter, de 75 años, "máximo exponente del teatro dramático inglés de la segunda mitad del siglo XX", ha destacado la Academia.
En su argumentación, la Academia destaca que Pinter ha sido galardonado por sus "obras, en las que descubre el precipicio que hay detrás de los balbuceos cotidianos y que irrumpe en los espacios cerrados de la opresión".
Pinter se ha declarado “conmovido” y “abrumado” por el galardón. “No he tenido tiempo de pensar sobre eso, pero estoy muy conmovido. Es algo que no esperaba para nada en ningún momento”, ha señalado a los periodistas reunidos a la puerta de su casa en Londres. Interrogado sobre por qué creía que le habían dado el premio, ha dicho: “Eso me pregunto yo”.
Nacido en Londres en 1930, Pinter se crió en un barrio del este de la capital británica poblado por familias obreras y trabajadores inmigrantes, una experiencia vital que se ve reflejada en muchas de sus obras. Tras ingresar en la Royal Academy of Dramatic Art, en 1950 publicó su primer poemario, titulado Poetry London.
Durante los años cincuenta recorrió Irlanda y parte de Reino Unido para representar obras teatrales, en las que él mismo participó como actor con el sobrenombre de David Baron. En 1957 publicó su primer drama, The Room, al que seguirían The Birthday Party (1958), The Caretaker (1959), The Lover (1963), Landscape (1967), Silence (1969), Viejos tiempos (1971) y One for the Road (1984), hasta un total de 29 obras teatrales. En España, Pinter ha sido traducido sobre todo al catalán y en la lista que publica la Agencia española de ISBN, dependiente del Ministerio de Cultura, sólo figuran en castellano Polvo eres, Luz de luna, Tiempo de fiesta y Lenguaje de la montaña.
Duro oponente a las políticas belicistas de Bush y Blair
En 2002 sufrió una operación de cáncer, de la que salió con éxito, y ese mismo año, durante su discurso como doctor Honoris causa por la Universidad de Turín, se declaró claramente en contra de la guerra en Irak y denunció "la pesadilla de la histeria, ignorancia, arrogancia, estupidez y beligerancia" de Estados Unidos, país al que acusó de desarrollar "sistemas avanzados de armas de destrucción masiva" que se prepara para usar "cuando lo considere oportuno".
Perteneciente a la generación de los Jóvenes Airados británicos, del primer ministro de Reino Unido, Tony Blair, llegó a decir que era un "criminal de guerra" y se refirió a Estados Unidos como un país "dirigido por una pandilla de delincuentes". En 2003 publicó una colección de poemas antibelicistas que tituló War (Guerra). El pasado mes de marzo anunció su retirada de la actividad creativa para dedicarse, a tiempo completo, a criticar la "preocupante" forma de actuar de los políticos. No obstante, precisó que su abandono se limitaría al teatro y seguiría escribiendo poesía.
FONT: diari El País

‘CELEBRACIÓ’:

“És potser revelador d’alguna cosa que molts poetes que han construït la seva obra amb una mirada dramàtica i fins i tot tràgica sobre el ser humà, al final de la seva vida i generalment en la seva darrera obra, facin un giravolt de cent vuitanta graus i acabin escrivint una comèdia. En un acte més d’intel·ligència, i moltes vegades després de passar una vida sencera amb l’angoixa de voler saber i intentar explicar el que és inexplicable, acaben somrient, indicant-nos que vistos amb la distància que dóna el coneixement i el temps, només som personatges d’una comèdia lleugera i també acida que es diu vida.

Celebració és la darrera obra de Pinter: una comèdia embogida d’una aparent simplicitat i que posa els seus intèrprets a la corda fluixa, perquè és tan concreta com ho pot ser un sopar en un restaurant de luxe al costat del Covent Garden o del Palau de la Música i al mateix temps tan abstracta i absurda que moltes de les rèpliques i les situacions, essent més “pinterianes” que mai, s’enganxen al vol poètic de Samuel Beckett, un dels seus millors amics. Com el propi Beckett, el Harold Pinter de Celebració, sense deixar de ser profundament anglès, deixa de ser-ho i es desborda més enllà de la pròpia geografia literària. Les seves situacions se’ns fan molt conegudes, i els seus personatges es passegen per llocs molt propers, Catalunya per exemple.” Lluís Pasqual
Celebració, estrenada pel mateix Pinter l’any 2000, és l’última obra del premi Nobel de literatura 2005 i porta un títol que s’acosta molt a l’ambient que es va generar al patronat de la Fundació del Teatre Lliure arran de l’elecció de Pasqual, l’abril passat. Ell, no cal dir-ho, estava força content que la seva ‘casa’ a Barcelona li demanés gairebé de genollons que substituís Àlex Rigola. D’aquí que no creiem que sigui cap casualitat  l’elecció d’aquest Pinter: en primer lloc, perquè confirma la seva voluntat de mantenir la línia contemporània, fresca i actual que ha marcat amb èxit l’encara vigent equip directiu del teatre; i en segon terme, perquè vol que el seu retorn sigui vist alhora com una festa i com una prova que mantindrà la crítica constant al sistema, clau en el moment d’assumir el text original, situat en un restaurant del londinenc Covent Garden on acaben sopant els aficionats al teatre.
FONT: http://www.teatrelliure.com/documents/temp1011/celebracio_cat.pdf

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ARTHUR SCHNITZLER – LA RONDA DAVID HARE – L’HABITACIÓ BLAVA

ARTHUR SCHNITZLER; LA SEVA OBRA;
LA RONDA:

Arthur Schnitzler (Viena, 15 de mayo de 1862 - ibídem, 21 de octubre de 1931) fue un narrador y dramaturgo austríaco. Médico de profesión, en sus obras muestra gran interés por el erotismo, la muerte y la psicología. Fue muy admirado por Sigmund Freud, quien lo conoció personalmente y que veía en él una especie de "doble" literario.[ ]En su afán por profundizar en la complejidad psicológica de sus personajes, fue uno de los primeros autores de lengua alemana en hacer uso de la técnica del monólogo interior, en obras como El teniente Gustl (1900) o La señorita Else (1924).

Muchas de sus obras han sido adaptadas al cine y la televisión,[] entre otros, por directores tan conocidos como Max Ophüls (Liebelei, La ronde) o Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut).
                                                                          * * *
Schnitzler fue labrándose durante la década de 1890 una importante reputación como autor teatral, que trascendió las fronteras del Imperio austrohúngaro. Al mismo tiempo, sin embargo, sus obras, que desvelaban las debilidades morales de la sociedad austríaca de su tiempo, fueron haciéndose incómodas para el poder constituido, lo cual le ocasionaría no pocos problemas. Su obra Liebelei ("Amoríos"), tuvo un gran éxito, y se estrenó no solo en el principal teatro de la capital austríaca, el Burgtheater (en octubre de 1895), sino también, al año siguiente, en Berlín […]. En 1910 se estrenaría, en Fráncfort, una ópera con el texto de la obra y música de Franz Neumann, siendo llevada al cine en dos ocasiones en vida del autor, en 1914 y 1927. 
Liebelei resultaba, sin embargo, escandalosa para la moralidad de la época, ya que ponía en escena a un adúltero señorito burgués que se aprovechaba despiadadamente de una joven de clase media. En Liebelei están presentes los dos tipos de mujer característicos de la obra de Schnitzler: la süsse Mädel ("muchacha ingenua", según prefiere traducir la expresión Miguel Ángel Vega, aunque la traducción literal sería "muchacha dulce"); y la mondäne Frau ("mujer mundana", expresión semejante a la francesa "femme fatale").
Una de las novelas breves de Schnitzler, El teniente Gustl (1900), que pasa por ser la primera en lengua alemana en la que se emplea el monólogo interior, fue considerada un ataque al ejército, ya que en ella se ridiculizaba implícitamente el sentido militar del honor (el teniente protagonista de la obra piensa seriamente en suicidarse por haber sido insultado por un panadero), y se ponía de manifiesto el antisemitismo reinante entre los oficiales del ejército imperial. Schnitzler, que tenía el grado de oficial médico en la reserva, fue expulsado del ejército en represalia por la publicación de esta obra.
De todas sus obras, sin embargo, la que provocaría una mayor controversia, sería La ronda, ciclo de diez piezas dramáticas de un solo acto, cada una de las cuales está protagonizada por una pareja de amantes, de tal forma que uno de los integrantes de la pareja se repite en dos escenas sucesivas, en una especie de "danza" de los emparejamientos sexuales. Como en otras obras de Schnitzler, se pone de manifiesto la supremacía del instinto sexual sobre las convenciones sociales, ya que en varias de las piezas los amantes son de muy diferente extracción social. […] Al año siguiente, sin embargo, la obra fue retirada de la circulación en Leipzig, y luego en Berlín. Los intentos posteriores de llevarla a los escenarios fueron polémicos y, en ocasiones, prohibidos por la policía, tanto en Austria como en Alemania. En Berlín, la obra se estrenó el 23 de diciembre de 1920, pero fue prohibida por orden gubernativa al día siguiente de su estreno, aunque la prohibición se levantó poco después, tras un juicio; en Viena se estrenó en febrero en la sala de cámara del Volkstheater ("Teatro Popular"), y la representación fue interrumpida por grupos extremistas de ideología antisemita, con el resultado de nuevo de la prohibición de la obra por cuestiones de orden público. El "caso Reigen" (por el título original de la obra, en alemán) dividió a la intelectualidad de lengua alemana, y fueron muchos los autores de renombre que tomaron partido, a favor o en contra de su representación. […]
Entre tanto, la reputación de Schnitzler no había hecho más que aumentar. Dejando aparte el caso antes citado de La ronda, sus piezas teatrales se estrenaron en los principales teatros austríacos y alemanes cosechando importantes éxitos. […]
Durante la Primera Guerra Mundial se abstuvo de pronunciarse ni a favor ni en contra de la guerra, pero publicó un ensayo pacifista, Über Krieg und Frieden. […]
De esta época datan también sus contactos conSigmund Freud. En una carta de Freud a Schnitzler el creador del psicoanálisis le manifiesta su admiración por su obra literaria. […]
Las obras de Schnitzler fueron prohibidas por los nazis en Austria y en Alemania. En 1933, en las tristemente célebres quemas de libros organizadas en Berlín por Joseph Goebbels, sus libros fueron arrojados a las llamas junto con los de otros autores judíos.
FONT: http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Schnitzler

 DAVID HARE I LA SEVA OBRA:

 

 David Hare (Inglaterra, 1947) fu dramaturgo residente en el Royal Court Theatre en 1970 y 1971 y en el Nottingham Playhouse en 1973. En 1975 cofundó, junto a Max Staford Clark, el Joint Stock Theatre Group y, desde 1984, es director adjunto del National Theatre. [..] Hare es un autor especialmente comprometido con temas sociales y políticos y muchas de sus obras denuncian situaciones y conflictos fundamentales de nuestra época, como el problema palestino, la guerra de Irak o el deterioro de los servicios públicos británicos a raíz de las privatizaciones de los gobiernos conservadores de Margaret Thatcher.
Entre su prolífica producción destacan piezas como Knuckle, Pravda: una comedia Fleet Street, Racing Demon, La ausencia de guerra, Skylight, El beso de Judas, My Zinc Bed, The Permanent Way, Cosas que pasan, La hora vertical o Getsemaní. Ha adaptado obras de Chéjov, Schnitzler y Bertolt Brecht y ha dirigido y escrito varios largometrajes, entre ellos, Wetherby […] o Heading Home. Asimismo, ha escrito guiones de películas tan reconocidas como Herida, Las horas, El lector o My Zinc Bed.
http://escenacontemporanea.com/2010/media/multimedia/ficheros/270.pdf

L’HABITACIÓ BLAVA:

“Nunca fue intención de Schnitzler que su serie de escenas, escrita con total libertad en torno al sexo, llamada ”la Ronda”, fuese interpretada ante el público. Cuando la creó, allá por 1900, el aturo la tildó de “material no publicable”, puesto que la concibió solo para ser “leída entre amigos” [...] A través de los años, el público ha seguido discutiendo si esta obra, que se deshoja como una margarita, sigue vigente o no. En un caso u otro es completamente maleable. cuando he tenido que adaptar obras de Chéjov, Brecht o Pirandello, nunca consideré que tuviera que hacer más que ceñirme al original [...] Pero con Schnitzler me he permitido licencias porque el propio autor ni siquiera llegó a pensar que jamás pudiera ser representada [...] Los cien años posteriores a su escritura han sido testigos de una supuesta revolución, tanto social como sexual. Pero lo realmente asombroso de la función es que parece que el tiempo no ha pasado por ella. Schnitzler no solo fue contemporáneo de Freud, fue también, como el propio Freud y como el mismo Chéjov, un analista. El tema principal de sus obras es la grieta entre aquello que imaginamos o recordamos y lo vivido en realidad. Hubo que esperar años (de hecho, hasta que Marcel Proust dejó de ser un asiduo a fiestas para dedicarse a la creación de su novela magna) para que apareciera otro autor europeo con la agudeza necesaria para describir el traicionero territorio de anhelo y deseo que supuso el siglo XX, con la profundidad y destreza de Schnitzler”.
David Hare
 http://escenacontemporanea.com/2010/media/multimedia/ficheros/270.pdf

LA REPRESENTACIÓ:

Eros i Tànatos. La dualitat bàsica que mou el món. Quan Arthur Schnitzler escriu a principis del segle XX 'Reigen' ('La ronda') estableix una crua relació entre les relacions sexuals i la propagació de malalties infeccioses com la sífilis. La dansa de la mort que sense fer soroll iguala tots els estrats socials. Quan David Hare adapta a finals del segle XX el text amb el títol de 'The blue room (L’habitació blava)' l’ombra de la sida és molt present. Però Hare obvia la pandèmia, la gran mort. El centre dramàtic passa a la “petita mort”, aquest instant de buit existencial després de l’orgasme. El moment dominat pel vertigen de la solitud.

Els personatges de ‘L’habitació blava’ s’endinsen amb mentides en fugaces trobades sexuals i fugen d’elles en descobrir que el buit emocional que tenia lligat de mans el desig els podria portar a un estat d’insuportable sinceritat. Acabada la mecànica del sexe, el següent pensament és com escapar del que pot ser l’únic còmplice de la seva veritable identitat emocional. Hare no desplega aquest pensament en escenes d’una gran complexitat dramàtica. Les trobades es resolen amb diàlegs que insisteixen a presentar-se com a intranscendents. És la suma de les paraules intercanviades entre els deu personatges el que revela el desesperançador missatge ocult.

David Selvas –desdoblegat actor i codirector amb Norbert Martínez– imagina 'L’habitació blava' com una elaborada coreografia dramàtica. Tan important és el nucli de l’escena com les transicions, les moltes maneres d’enllaçar el canvi de parelles, les múltiples maneres d’entrar i sortir d’un espai hiperrealista que sura enmig d’un magma d’irrealitat. L’habitació és l’única cosa real, ocupada per unes ombres que es mouen còmodament entre el conscient i l’inconscient.

El quartet protagonista –una de les opcions de repartir els personatges– encara es troba en el tràngol de baixar el nivell d’excitació que els produeix la responsabilitat d’exposar deu actes sexuals sense perdre la credibilitat. En aquest procés de serenitat interpretativa ja s’hi troba Selvas, que en el seu rol del polític protagonitza dues de les escenes més intenses del muntatge: les que comparteix amb la seva dona (Aurea Márquez) i la model (Maria Rodríguez). Nao Albet encara està fora de control, parapetat després d’una excitada sobreactuació.

Juan Carlos Olivares

http://www.timeout.cat/barcelona/ca/obra/teatre/4944/lhabitacio-blava-the-blue-room

AUTOR: David Hare (Adaptació lliure de La Ronda d'Arthur Schnitzler)
TRADUCCIÓ: Cristina Genebat
DIRECCIÓ: Norbert Martínez i David Selvas
REPARTIMENT:
Nao Albet, Maria Rodríguez
Àurea Márquez, David Selvas

FONT: http://www.teatreromea.com/ca/archive/67/715

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SÒFOCLES – ELECTRA

 L’ AUTOR EN EL SEU CONTEXT:

La época clásica es la época de mayor esplendor de la literatura griega, y se extiende desde el final de las guerras médicas (449 a. de C.) hasta Alejandro Magno (356 a. de C.). Tras la victoria sobre los persas, Atenas vive su época dorada como centro de la vida artística e intelectual coincidiendo con la democracia de Pericles (por eso se llama a esta época el «siglo de Pericles»).
Entre los nuevos géneros nacidos en esta época destacan la tragedia y la comedia.
La tragedia, que tuvo sus orígenes en las fiestas que anualmente se celebraban en honor de Dionisos (Baco), dios del vino y de la fertilidad de la tierra, se convirtió en el género por excelencia. Las tragedias tenían como personajes a dioses y héroes y la acción estaba por ello repleta de grandiosidad y elevadas pasiones. El tono y el estilo son elevados y solemnes, y el final es siempre trágico. Un tema muy frecuente era la lucha del individuo contra el destino.
A pesar de su origen legendario y mitológico y de lo extraordinario de sus acciones y personajes, la tragedia griega tiene el gran mérito de haber sabido reflejar pasiones y conflictos humanos de todos los tiempos, incluido el nuestro. De ahí que sean numerosos los escritores, de todas las épocas y culturas, que han escrito obras sobre personajes tan representativos de esta tragedia griega como Electra o Antígona.
En las tragedias (que se representaban en los anfiteatros en forma de herradura, situados generalmente en las laderas de una colina) interviene un personaje colectivo, el coro, que viene a representar el sentir colectivo, y que está dirigido por un actor, el llamado corifeo.
Destacan tres autores: Esquilo, Sófocles y Eurípides.
Esquilo, verdadero creador de la tragedia griega, añadió un personaje más a la tragedia primitiva y redujo la importancia del coro a favor del diálogo.
En sus obras plantea siempre importantes problemas religiosos o morales, como la imposibilidad del hombre para escapar a su destino. De sus siete tragedias conservadas, destacan Prometeo encadenado y la trilogía La Orestiada (Agamenón, Las coéforas, Las euménides).
La Orestiada tiene como tema la venganza de Orestes. Agamenón, el héroe de la guerra de Troya, es asesinado al regresar a su patria por su esposa Clitemnestra y por Egisto, con el que aquella se había casado. Orestes, hijo de Agamenón, venga a su padre dando muerte a Egisto y Clitemnestra, su propia madre.
Sófocles, el más célebre de los trágicos griegos, limitó la intervención del coro, dando así más acción a las obras. Sus personajes, aunque heroicos y tomados de la mitología, son más humanos que los de Esquilo, y su estilo no es tan elevado. El destino, que arrastra a los personajes sin una explicación lógica, planea siempre sobre la acción. De sus numerosas obras solo se conservan siete, y entre estas sobresalen Antígona, Electra (sobre el tema de la venganza de Orestes ya tratado por Esquilo: Electra era hija de Agamenón y Clitemnestra, y hermana de Orestes), Ayax y Edipo rey.
Eurípides es autor de tragedias en que los personajes, más humanos y realistas, no se mueven ya a impulsos de los dioses, sino que obedecen a su conciencia. Entre sus obras conservadas, diecisiete, destacan Medea, Electra (sobre el mismo tema ya tratado por Esquilo y Sófocles), Andrómaca e Ifigenia.

FONT: Literatura universal, Castellnou Edicions

SÒFOCLES I LES SEVES OBRES:

Sòfocles

Atenes, ~496 aC - Atenes, 406 aC

Poeta tràgic grec. Membre d'una família rica i influent [...]. Continuador d'Èsquil, les petges del qual, segons un testimoni antic, seguí en els primers estadis de la seva producció dramàtica, avui perduda, a poc a poc formà el seu estil propi i la seva tècnica tràgica. De les tres etapes que, segons el testimoni antic abans esmentat, el poeta distingia en la seva producció, hom ha conservat només obres de la segona i tercera, la qual cosa fa que no sigui possible de seguir amb claredat la seva evolució. L'antiguitat ha transmès solament set peces [...]. Les set obres completes són: Àiax, Les dones de Traquis, Antígona, Èdip Rei, Electra, Filoctetes i Èdip a Colonos, i, bé que els crítics no han pogut establir, d'una manera definitiva, llur ordre cronològic, sembla molt versemblant que és el mateix en què han estat esmentades [...].
Amb Sòfocles, la tragèdia grega assoleix la seva perfecció estètica. La tradició antiga li atribueix una sèrie d'innovacions encaminades a suavitzar les audàcies d'Èsquil. I, en efecte, ell ja no organitza les seves tragèdies en forma de trilogies, com feia Èsquil, sinó en forma d'obres aïllades. Hom pot comprovar que, a poc a poc, anà concentrant l'acció dramàtica entorn d'una figura central, que omple tota l'escena. A les primeres tragèdies el paper de l'heroi o de l'heroïna és complementat per una figura dèbil, que, amb la seva manca de decisió, posa en relleu l'actitud heroica del protagonista (Àiax); d'altres obres tenen forma de díptic (Antígona, Les dones de Traquis). En els escrits de la maduresa tot és organitzat de tal manera que la tragèdia camina directament cap a la seva culminació (és el cas d’Èdip Rei, la seva obra mestra). Sobre el contingut de les tragèdies, cal dir que no hi ha acord pel que fa al sentit últim del seu missatge: alguns crítics fan notar el seu optimisme; d'altres remarquen la distància enorme que hi ha entre Déu i l'home sofoclià. L'heroi, posat en un dilema tràgic, pren una decisió heroica i transcendent, que marca el seu destí. En tot cas, sembla que els personatges centrals són una mena de rebels, cecs per a tot allò que no tingui un valor absolut. I, al costat d'això, el cert és que, en Sòfocles, l'home és el centre, i que, a diferència d'Èsquil, que creu en un arranjament del conflicte tràgic mitjançant una evolució temporal, en Sòfocles hom assisteix a un plantejament absolut del xoc entre poders sobrehumans i l'home. L'art clàssica, feta de serenitat i simple bellesa, trobà en aquest tràgic un dels seus millors representants. Ja l'antiguitat el saludà com un "home feliç" que sabia expressar, amb equilibri, les experiències més pregones a l'esperit humà. La visió idealista de Grècia l'ha considerat sempre el més gran dels poetes tràgics.
Josep Franquesa i Gomis publicà el 1912 la primera versió catalana d’Electra. Carles Riba, que estudià amb profunditat aquest autor, publicà el 1920 i entre el 1951 i el 1964 la versió catalana en prosa de tota la seva obra; paral·lelament la traduí també en vers, apareguda parcialment el 1951 i represa el 1977 en edició completa a cura de C. Miralles. El tema d'Antígona ha inspirat diverses interpretacions contemporànies.

FONT: http://www.enciclopedia.cat/fitxa_v2.jsp?NDCHEC=0063254&BATE=S%F2focles

     EL MITE D’ELECTRA:

Electra era filla del rei de Micenes, Agamèmnon, i la seva esposa Clitemnestra, germana d'Helena de Troia. Quan Agamèmnon marxà a Troia, Clitemnestra prengué un amant, Egist. Tots dos planejaren fer-se amb el tron de Micenes, encara que aquest ja tenia hereu, el fill nadó dels reis, Orestes. Finalment, Agamèmnon tornà de Troia i fou assassinat per Egist, qui li clavà una daga al coll mentre Clitemnestra li donava la benvinguda. Segons algunes versions fou la mateixa Clitemnestra qui cometé el crim.
Ara la parella ja governava Micenes. Però Electra, tement que Egist matés el seu germà Orestes per evitar una futura venjança, el tragué amb ajuda de la mainadera de palau i el portà secretament a la cort del rei Estrofi, que el crià.
Allà cresqué en companyia del fill del rei, Pílades, que esdevingué el seu millor amic. Pel que fa a Electra i les seves germanes, havien de veure com un intrús ocupava el lloc del seu pare. Les germanes d'Electra finalment es conformaren amb la situació, però ella no feia més que esperar que Orestes fos gran perquè tornés i es vengés. Quan arribà el moment, Orestes tornà disfressat i fingint la seva mort i junt amb Electra planejaren entre el dos l'assassinat d'Egist i de la seva pròpia mare. Orestes encara vacil·lava de cometre matricidi, però consultà l'oracle de Delfos, qui li ordenà que ho fes.
Pel que fa a Electra, un cop venjada la mort del seu pare es casà amb Pílades, l'amic d'Orestes.

FONT: http://ca.wikipedia.org/wiki/Electra

 LA REPRESENTACIÓ:

Electra, de Sòfocles

Teatre Nacional de Catalunya, Sala Petita
Del 18 de març al 25 d’abril de 2010

Després de l’èxit assolit amb Antígona fa tres temporades, Oriol Broggi torna a endinsar-se en una tragèdia grega, i aquest cop ens proposa Electra, de Sòfocles. Les dues produccions comparteixen protagonista (una Clara Segura que estava impressionant com a Antígona), tot i que aquest cop compten amb la solvència de les actrius de Q-Ars Teatre, que d’aquesta manera completen la trilogia sobre les heroïnes gregues que van encetar la temporada passada amb Les suplicants i Ilíada.
Electra, que viu presa del dolor per l’assassinat del seu pare Agamèmnon, rei de Micenes, planeja junt amb el seu germà Orestes venjar-se de l’assassina, la seva mare Clitemnestra. Com una lleona ferida, debatent-se entre la llei dels homes i la llei de la sang, Electra, l’arquetipus perfecte de l’heroïna tràgica, prepara una venjança que l’oracle d’Apol·lo fatalment ja havia predit.
Un text canònic i d’una força extraordinària i un repartiment de plenes garanties en un escenari envoltat de públic que acostarà els espectadors fins al mateix cor de la tragèdia. Ingredients que fan d’aquesta Electra, la primera tragèdia grega que el TNC ha produït, un espectacle indispensable.

FONT: Quadern número 32, Teatre Nacional de Catalunya

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